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CRÍTICA: El dilema de ‘Fuera del Aire’, por Sergio Monsalve

Sábado en la tarde. Función a sala llena. Hay poder de convocatoria. ¿La censura tiene sentido en el siglo XXI? ‘Fuera del Aire’ responde a la pregunta con su éxito de taquilla.

Fuente: El Nacional

La gente brinda respaldo al derecho de la libertad de expresión. En pocas palabras, busca la manera de romper los cercos de la comunicación, de saltar las viejas barreras entre emisor y receptor.

A Luis Chataing lo sacaron de la parrilla de Televen, de forma abrupta, bajo una serie de absurdas presiones internas y externas. Ni siquiera pudo despedirse de su audiencia. De ahí nace la idea de concluir su programa a través de una gira de presentaciones en vivo, donde todo sería registrado en cámara. Luego de un apretado proceso de producción y edición del material rodado, vería luz un documental. Hoy figura en la cartelera y compite con los blockbusters de la temporada. La dulce revancha del famoso locutor ante la intentona de acallar su voz.

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CRÍTICA: Under The Skin: No es sólo un striptease de Scarlett Johansson, por Sergio Monsalve

Ciencia ficción. Drama. Duración: 108 minutos. Guión de Walter Campbell basado en la novela de Michel Faber. 86% de aprobación en Rottentomatoes. Cine atmosférico y de culto. Dirige el otrora creador de video clips, Jonathan Glazer, quien debuta en la gran pantalla con el éxito de crítica de “Sexy Beast”. Luego sufre un pequeño traspiés al estrenar la fallida, “Birth”. Su tercer largometraje, “Under The Skin”, parece reivindicarlo, a medias. Cautiva por su misteriosa propuesta. Decepciona un poco por lo reiterativo de su guión, del primer al segundo acto, donde siempre pasa lo mismo, desde diferentes perspectivas. El filme adopta una estética de video arte conceptual, a lo Bill Viola, casi siempre montado en una nube de gravedad, sequedad expositiva y distanciamiento. Como las víctimas del juego de la protagonista, la película tiende a caer presa de sus propios agujeros negros, de sus estrategias de seducción. Seguir leyendo…

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‘Matadero Cinco’: El eterno retorno de un bombardeo, por Daz Medrano

Para Kurt Vonnegut el bombardeo de Dresde siempre fue algo absolutamente incomprensible. Estuvo ahí, lo presenció y lo sobrevivió pero no era capaz de explicarlo. Por años planeó e intentó escribir un libro sobre la experiencia pero no lo conseguía. Cuando lo hizo admitió con ironía que lo que escribió no lo satisfizo. No fue producto de una deficiencia como escritor, el asunto es que la magnitud del horror y el sufrimiento rebasan el significado de las palabras. La violencia y la tragedia absolutas son fenómenos que trascienden el lenguaje. Pueden ser relatados de forma vaga y general ofreciendo referencias sobre los hechos. Pero “eso”, aquello que íntimamente el testigo quisiera contar, es incomunicable.

Hay mucho más en el mundo de lo que el lenguaje puede decir, y en situaciones que llevan la resistencia humana a sus límites esto es más evidente. No es sencillo aceptarlo. La sensación es que no son las palabras sino una distancia insalvable lo que separa a unos hombres de otros; la distancia del horror. Quienes han visto aquello que nadie debería ver. Aquello que, una vez conocido, nos transforma para siempre y nos hace más extraños, siempre ajenos y exiliados de un modo particular. Vonnegut descubrió esta brecha y la recorrió en numerosas ocasiones. Por eso el héroe de “Matadero 5″, aunque está lejos de ser tal cosa, es Billy Pilgrim.

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CRÍTICA: The Equalizer: ¿Justicia Poética?, por Sergio Monsalve

Thriller urbano. 128 min(seguimos estirando el chicle). Guión de Richard Wenk(uno de los responsables de alargar demasiado la trama). La edición corre por cuenta de John Refoua(por lo visto se guardó las tijeras en el bolsillo).  Mauro Fiore se luce en al apartado de la fotografía(hay planos inspirados en las pinturas de Edward Hopper, a diestra y siniestra). El director es Antoine Fuqua y vuelve a trabajar con su actor talismán, Denzel Washington. Ambos tocaron el cielo y el infierno del cine negro en la obra maestra del 2001, “Día de Entrenamiento”. 13 años después, los dos quieren reeditar el mismo éxito con “The Equalizer”. Lamentablemente, no lograron el objetivo. Siendo honestos, la cinta del 2014 es muy inferior a su precedente. Por cierto, despierta bostezos entre el público criollo. Sin embargo, tampoco es para condenarla a la lista de lo peor del 2014. Entonces, hablemos claro de sus atributos y defectos.

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‘Boyhood’: El hombre en busca de sentido, por Daz Medrano

En diferentes momentos de mi vida he preguntado por el sentido de todo. La intención y la amplitud de la pregunta han cambiado con los años y las circunstancias. En mi adolescencia pensaba mucho en la autoridad de los adultos y en la falta de libertad: ¿por qué tengo que hacer lo que me dicen? ¿Por qué tengo que ir al colegio? ¿Por qué todos hacemos lo mismo?

Cualquier cosa podía generar esa inquietud que me llevaba a cuestionar el mundo. No sucedía en momentos de reflexión en soledad, sino en instantes que formaban parte de la cotidianidad: una conversación con mi mamá mientras me llevaba al colegio, un video en Mtv, una materia aplazada, una fiesta con mis amigos, una película o un juego de computadora. Mi identidad y mi percepción general de las cosas fueron configurándose a través de esa interacción espontánea con los demás que te permite descubrirte a ti mismo, aunque no estés consciente de ello.

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CRÍTICA: Annabelle: Una Lectura Conspirativa con Alerta de Spoiler, por Sergio Monsalve

Género Fantástico. Duración: 98 min (pudieron ser menos). Dirige John R. Leonetti, especialista en secuelas fallidas (“El efecto mariposa 2”  y “Mortal Kombat: Aniquilación”). Ahora bajo la tutela de James Wan, acomete el spin-off de “The Conjuring”. La diferencia entre una y otra es como comparar a “La Novia de Chucky” con Hello Kitty. Profundamente conservadora, debe ser una de las películas más sobrevaloradas del año. El “hype” del boca a boca la hizo rentable, pero si no tienes la cabeza hueca de un muñeco de torta, saldrás defraudado de la sala.

Su guión es de juguete

Cuenta la clásica historia de una pareja de recién casados, a la espera de una bebita. Ellos son como Ken y Barbie en los años setenta. En una salida gratuita a lo “Childs Play”, él le regala a ella una muñeca de porcelana. Asisten a misa, comen perdices,  viven felices. Aunque no por mucho tiempo. Al minuto indicado del plot point, estalla el conflicto de manual. Llegan unos desquiciados de una secta satánica y buscan asesinar a la futura madre de la película. Clara y evidente referencia al asesinato de Sharon Tate a manos del infame culto liderado por Charles Manson. La víctima del atentado logra recuperarse pronto y dar a luz. Hasta entonces, todo el miedo procede de la reproducción de un catálogo de clichés: música incidental, manejo del sonido fuera de campo, planos de ida y de vuelta sobre la cara inerte de “Annabelle”, quien es la mejor actriz del reparto, si somos justos. Además podemos rescatar a los secundarios. Sin embargo, es una cinta sin alma, donde los muebles, las paredes rechinantes, los fantasmas y los figurantes gritones cobran el verdadero protagonismo. Un rosario de lugares comunes empujados por el turbo de la postproducción.    

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A sangre fría: El abismo de lo humano, por Daz Medrano

‘A Sangre Fría’ de Truman Capote es mucho más que el fascinante relato de un crimen atroz. Recorre las fronteras de la condición humana y se asoma a un abismo donde todo es más de lo que parece. La sutileza de las descripciones, la complejidad de los personajes y la inexplicable violencia del asesinato, se conjugan para revelar un mundo que no admite términos absolutos, en el que abstracciones como el amor, el mal o la misericordia sirven más para confundir que para comprendernos a nosotros mismos.

Los matices, las desmesuradas circunstancias y peculiaridades de la realidad en que habita la novela nos obligan a suspender el juicio y a observar minuciosamente un mundo de hombres comunes: padres e hijos, extraños y vecinos, víctimas y asesinos. Tan lejano en la distancia y en el tiempo pero tan cercano a nuestras experiencias y secretos, a la enemistad y al recelo presente en todas las épocas y en todos los lugares.

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The Internet’s Own Boy: Vida, Muerte y Resurrección de Aaron Swartz, por Sergio Monsalve

Documental. Duración: 105 min. Estrenado en el 2014. Podría obtener una candidatura al premio de la academia. Dirigido por Brian Knappenberger, el mismo autor de “We Are Legion: The Story of the Hacktivists”, sobre la creación del grupo “Anonymous”(identificado por el uso de la máscara de “V de Vendetta”). Protagonizado por Aaron Swartz, el niño prodigio de la comunidad alternativa de la web. Considerado el Mark Zuckerberg del ciberactivismo. No crea Facebook, sino plataformas para compartir archivos. Tuvo un sueño: la liberación de todos los contenidos por la red. Pero el sistema lo convirtió en un chivo expiatorio. Su vida terminó como una pesadilla. Hoy en día, es un mártir, un héroe, un ejemplo para muchos. A no confundir, por favor, con el demagogo de Julian Assange o con el nuevo rico de Kim Dotcom. Seguir leyendo…

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(RESEÑA) Electric Festival 2014: Los beats del caribe, por Jeff Rey

El lunes de la semana pasada, recibí una llamada invitándome a hacer maletas para salir el miércoles con destino a Aruba, y ante tal oportunidad –y la de ponerle un sellito más al pasaporte- no dudé en decir que sí. La tarea en realidad era bastante sencilla, cubrir el Electric Festival. No tenía mayor conocimiento de qué iba el festival, pero nada que un puñal de información en internet no pudiese arreglar.

Texto, fotos y video: Jeff Rey / @jeffb_rey

Hoy, después de cinco días de música electrónica continua, les contaré toda la experiencia, no sólo musical, sino toda la atmósfera alrededor de lo que fue el Electric Festival.

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(CRÍTICA) ‘Jodorowsky’s Dune’: ¿Una Obra Maestra que no fue? por Sergio Monsalve

Documental. Director Frank Pavich. 83 minutos de duración. Con Alejandro Jodorowsky, Nicolas Winding Refn y H.R. Giger, entre otros. En los setenta, se quería hacer una película de ciencia ficción que fuese como un viaje en ácido, pero sin consumir LSD. Llevaría por título “Dune” y estaría basada en la novela de culto de Frank Herbert. Pero una tormenta de arena se la tragó y no pudo llegar a rodarse. 40 años después, un largometraje de no ficción se propuso reconstruir el caso, según el punto de vista de muchos de sus protagonistas. El filme se llama “Jodorowsky’s Dune” y es una de las mejores cosas que le ha pasado al género en años (siguiendo la estela de “Lost in La Mancha”).

¿Qué cuenta?

En la cima de su carrera, Alejandro Jodorowsky recibe una oferta por parte de su productor, que no puede rechazar: hacer la película que quiera. Y Alejandro pensó en dirigir una versión de “Dune”. A partir de entonces, comenzó a fichar a sus “guerreros espirituales” para llevar el proyecto a buen puerto. Uno a uno, fue convenciendo a las figuras más exigentes, reconocidas y prometedoras de la industria: el especialista en efectos especiales Dan O’Bannon, el diseñador de historietas gráficas “Moebius” y el artista expresionista H.R. Giger. Además, se haría de los servicios de Salvador Dalí, Orson Welles y Mick Jagger para interpretar algunos de los papeles principales de la cinta. Con ellos, armó un voluminoso y hermoso libro de preproducción. Sin embargo, los grandes estudios lo rechazaron por considerarlo demasiado ambicioso para su época. Los planes de Alejandro Jodorowsky se irían al garete. Como diría Baudrillard, su utopía nunca tendría lugar.

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Recomendación literaria: ‘El Señor de las Moscas’ – William Golding, por Daz Medrano

En los orígenes de la enemistad y la violencia se encuentra una de las claves para comprender el pasado y el presente, pero sobre todo el futuro, de nuestro proyecto civilizador. A través de la historia, el pensamiento occidental ha intentado dar cuenta de la problemática relación entre lo individual y lo colectivo, entre las complejas dinámicas del “tú y yo” de las cuales depende el reconocimiento mutuo. Sobre la posibilidad de este hecho, de ser capaces de resolver nuestras diferencias favorablemente, hemos emprendido la construcción de una sociedad justa y pacífica.

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(CRÍTICA) ‘Only God Forgives’: Placer Culposo, por Sergio Monsalve

Artes marciales, thriller, porno soft, neowestern. Protagonizada por Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas y Vithaya Pansringarm. Hablando claro, es considerada la peor película de Nicolas Winding Refn. Literalmente, los críticos la detestan. ¿Tienen razón o se volvieron locos? Aquí te lo vamos a responder sin pelos en la lengua.

¿De qué la acusan?

De ser una película tramposa, misógina, pedante, autoindulgente, innecesaria, artie, vacía, ridícula, fallida y enferma de importancia. El proceso contra ella empezó en Cannes 2013, cuando la abuchearon después de su estreno. Acto seguido, la prensa hizo leña del árbol caído. A Nicolas Winding Refn lo estaban esperando en la bajadita. El mismo Festival venía de encumbrarlo el año anterior por “Drive”, aclamada de manera ecuménica. Pero el consenso terminó con “Only God Forgives”, la excusa perfecta para crucificar a una de las últimas promesas del cine europeo de culto. Ahora es cool descalificarlo y putearlo.

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‘Night Moves’: Crítica a la Militancia Hipster, por Sergio Monsalve

Drama psicológico. Con Jesse Eisenberg, Dakota Fanning y Peter Sarsgaard. El reparto más trendy para una película de la directora indie, Kelly Reichardt, una de las mujeres fuertes del panorama del cine contemporáneo.

Ella puede darle tres vueltas a Sofía Coppola. Es mejor conocida por su anterior largometraje, “Meek’s Cutoff”, un western revisionista celebrado en medio mundo (nunca llegó a Venezuela). Tampoco esperen por el estreno de “Night Moves”. Búsquenla de una por los torrents. Seguir leyendo…

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El Metafísico Totalitario, por Daz Medrano

Hay ideas que, a pesar de haber fracasado en la interpretación y transformación de la realidad, continúan ejerciendo un fuerte poder de atracción. Resulta asombroso que aun después de que estas visiones engendraran el horror y la muerte a través de proyectos demenciales, millones de personas estén dispuestas a defenderlas y representarlas nuevamente.

Se ha escrito mucho para intentar comprender cómo fue posible que Hitler, Stalin y Mao contaran con el apoyo de gran parte de las sociedades a las que pertenecían para sostener y realizar sus delirios. Este análisis no es motivado únicamente por la sospecha de que en la comprensión de estos fenómenos se encuentra una clave para descifrar la condición humana, sino también por la necesidad de comunicar una advertencia desesperada. Seguir leyendo…

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After Sónar, por Fran Mejía (Pacheko)

Continúa la temporada de festivales en Barcelona, y dos semanas después del Primavera Sound, entre el 12 y 14 de junio se celebró el que para muchos es el referente electrónico más importante de Europa: el festival Sónar. Por ahí pasé, y esto fue lo que pude ver…

Si bien el tipo de gente que mueve cada uno de estos grandes festivales (Primavera Sound y Sónar) suele ser distinto, muchos deciden mudarse a la ciudad, entre fines de mayo y la primera quincena de junio, para disfrutar de ambos festivales. Esto, sumado al subidón turístico habitual de la temporada, hace que la transición de la primavera al verano en Barcelona sea un verdadero escándalo en cuanto a la inmensa e incalculable oferta de conciertos y fiestas. Al punto de que se estima de que sólo el Sónar asisten unas 110.000 personas, de las que al menos la mitad viene de otras partes del mundo.

Para hacernos una idea de esta locura, durante las primeras dos semanas de junio te puedes encontrar muchísimas fiestas ¨Off Sónar¨ cada día (así se llaman las que no forman parte del cartel oficial del festival), algunas ya habituales año tras año, como los showcase de los sellos ingleses Hessle Audio, Hyperdubo Night Slugs, hasta llegar a encontrarte con festivales paralelos de corte más comercial con gente como Skrillex, Lana del Rey, Steve Aoki o algún otro ¨Aviccii¨ o en sus carteles. Todo esto, y mucho más, atragantando a la ciudad de fiestas día tras día, sin descanso ni tregua (recordemos que Barcelona es una ciudad relativamente pequeña).

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